스케치 교육 경험
스케치는 한마디로 단색 그림이다. 하지만 반드시 그렇지는 않습니다. 스케치는 너무 많은 것을 다루고, 너무 많은 문제를 해결합니다. 스케치 과정은 동시에 많은 문제를 고려하는 포괄적인 사고 활동입니다. 요즘은 미술대학의 모든 전공이 이를 기본으로 삼고 있는데, 전공마다 강조하는 바는 다르지만 유화는 양감과 톤을 강조하고, 중국화는 선을 강조하고, 판화와 디자인은 구조를 강조하는 등, 거의 동일합니다. 동시에, 독립된 예술 유형으로서 스케치는 고유한 예술적 가치를 가지고 있습니다. 물론, 헌신적인 스케치 아티스트는 많지 않으며, 대부분은 대가와 같은 파트타임으로, 그 소수의 초안은 이미 가치가 있습니다. . 기본 스케치인지 독립된 예술 작품인지 구분할 필요는 없습니다. 이 스케치들은 단지 몇 개의 획으로 보일 수도 있지만, 때로는 그 뒤에 숨은 기술이 매우 인상적입니다. 때로는 임의의 물결과 곡선이 작가의 형태, 구조, 특성, 리듬, 매력 및 예술사에 대한 깊은 이해와 이해를 반영합니다. 숙달, 그 뒤의 어려움은 당연히 자명합니다.
스케치에 대한 나의 이해를 말해보자면, 10년 넘게 가르치고 배운 나의 경험이라 할 수 있다. 다음 부분은 내용상 중복되는 부분으로, 이는 스케치의 종합적인 성격에 따라 결정됩니다. 각 부분은 스케치 콤플렉스의 이해 측면일 뿐이며, 그 관계는 분해와 재구성입니다.
1. 이해한 만큼 표현할 수 있다
일반적으로 스케치는 매우 합리적이다. 소유. 두뇌는 총사령관이며 충분한 합리성이 특히 중요합니다. 눈은 더 지각적이고 생생하며 생동감이 넘치지만 종종 일방적이고 오류가 발생하기 쉬운 손은 두뇌 눈의 결과를 달성하기 위한 도구일 뿐입니다. 협의는 순종하는 한 기술 범주에 속합니다(물론 다른 도구도 있습니다). 그러므로 뇌는 끊임없이 배우고 생각해야 합니다. 생각만이 혁신을 가져올 수 있다는 것이 인간과 동물을 구별하는 가장 큰 특징입니다. 우선 미술의 역사를 공부하고, 미술의 발전과정을 이해하고, 거장들의 독특한 성장과정과 예술적 개념, 스타일의 차이, 기술적인 표현을 이해해야 한다. 혼란과 중복, 낭비를 피하기 위해 스케치를 배우려면 레오나르도 다빈치, 미켈란젤로, 라파엘로, 뒤러, 루벤스, 콤뵈프를 아는 것만으로는 충분하지 않습니다. 해부학과 원근법의 탄생으로 인해 스케치에는 보다 과학적이고 합리적인 요소가 주입되었습니다. 예를 들어 사람을 표현하려면 표면의 기복만 이해하면 됩니다. 기본 뼈 구조, 근육 움직임 및 시각적 원근 변형을 아는 것은 불가능합니다. 그려진 모든 선과 기복은 해부학 및 원근감에 대한 지식을 반영해야 합니다. 구성 지식은 스케치를 더욱 완벽하고 개인화하며 더욱 그래픽적이고 예술적으로 만듭니다. 구조, 특성, 비율, 모양, 방향, 리듬, 대비, 점, 선, 표면과 같은 요소를 능숙하게 사용하고 제어하는 것은 의심할 여지없이 스케치의 완전한 표현의 깊이와 폭, 그리고 이해력과 이해력에 핵심적인 역할을 합니다. 기하학적 개념의 심층적인 형성 기술은 그림의 거시적 및 미시적 제어에도 중요한 역할을 합니다. 카메라의 발명과 인터넷 시대의 도래는 스케치를 객관적인 세계에서 해방시켜 후기 산업화 시대 사람들의 생각과 감정의 무한한 공간에 주목하게 되었고, 스케치는 더욱 다양해졌습니다.
분명히 풍부한 지식을 바탕으로 훌륭한 지휘자가 되어야 하며, 직관과 열정을 가지고 예술적으로 자신을 표현해야 합니다.
2. 기초·능력·품질
스케치는 조형예술의 기초이며, 학습자의 올바른 이해, 관찰, 조형 및 표현 능력을 함양하는 것이 목적이다. . 그리고 심미적 능력, 넉넉하고 견고한 기초는 예술의 궁전에 들어가기 위한 필수적인 자질이 되었습니다. 마치 고층 빌딩의 기초가 두껍고 깊고 소박한 것처럼, 그것은 또한 무술에서 서 있는 기술과도 같습니다. 굳건히 서지 못하는 예술과 '쿵푸'는 그냥 꽃꽂이일 뿐이다. 사생을 배우는 초심자는 침착하고 외로움을 견뎌야 하며 고난을 견딜 수 있어야 하고 어려움에 대한 인식이 있어야 한다. 마치 고대인들이 백보를 걸어 미루나무 사이를 걷고, 요리사와 소는 하루아침에 완성되지 않았습니다.
하지만 단지 열심히 일하는 것만으로는 충분하지 않습니다. 올바른 관찰력과 수행 능력을 의식적으로 키워야 합니다. 관찰 방법은 일반적으로 눈을 가늘게 뜨고 전체를 보는 것과 전체를 비교하는 등 전체와 비교를 의미합니다. 디테일, 특히 멋진 디테일은 눈을 크게 뜨고 가까운 거리에서 관찰해야 합니다. 설명하는 내용이 정면에서 관찰되는 경우에는 측면이나 위에서 관찰하는 것이 가장 좋습니다. 사물의 구조, 부침, 특징, 특징 등을 표현하는데 매우 중요하며, 표현대상의 고유한 이미지 특성과 정신적 기질을 예리하게 판단하고 인지할 수 있어야 하며, 이를 발견할 수 있어야 한다. 평범한 것에서 아름다운 형태와 아름다운 매력을 찾아내고, 그것을 표현하는 데 적합한 방법과 자신만의 방법을 빠르게 선택할 수 있습니다. 스케치는 회화의 한 형태로서 그 자체의 예술적 생명력을 가지고 있습니다. '기초'라는 단어만으로는 스케치의 온전한 의미를 담을 수 없습니다. 기초를 놓는 것만큼 단순한 것은 아닙니다. 때로는 좋은 미적 자질을 기르는 것이 평생의 예술 활동의 기초가 될 수도 있습니다.
3. 기초능력과 창의성
기초능력이 좋다는 것은 창의성이 강하다는 뜻인가? 불확실한. 사실 많은 뛰어난 예술가들의 기본 기량은 그다지 '견고'하지 않습니다. 특히 예술이 모더니즘에서 벗어나 포스트모더니티로 접어든 지금, 혁신적인 개념이 주류가 되었습니다. 하지만 우리나라에는 아직도 길을 보지 않고 카트만 끄는 데만 집중하는 순전히 기술적인 '재능 있는 사람들'이 많다. 이는 우리 기초교육의 공통적인 문제라고도 할 수 있다. 우리가 양질의 교육을 원하고 지금 기초교육의 커리큘럼 개혁을 추진하는 이유는 주로 우리 재능의 창의성이 전반적으로 낮다는 치명적인 문제를 해결하기 위해서입니다. 탄탄한 기본기가 부족하지 않고, 세계를 선도하고 있다고 할 수 있습니다. 우리에게 부족한 것은 세계를 선도하는 독창성입니다. 그러므로 기초교육과 창의적 사고력 함양의 관계를 적절하게 다루는 것이 매우 중요합니다. 이제 기초를 다지는 것은 단순히 암기하고 기계적 반복훈련이 아닌 다독, 감상, 통찰, 소통, 협력, 토론, 조사, 종합, 비교, 의심, 탐구, 상상력, 창조, 역발상, 확산적 사고, 관습 깨기 등을 통해 일상 학습과 생활 속에서 점차적으로 창의성을 키워 나가겠습니다. 스케치는 창의성을 포함한 모든 귀중한 예술적 정보를 담고 있기 때문에 기본 기술 개발과 창의력 훈련이 동시에 이루어져야 합니다. 예술의 역사를 되돌아보면 예술가만이 혁신적 가치를 지닌다는 사실이 분명해집니다. 녹음할 수 있습니다. 그러므로 공부에 전념하는 사람이 되어야 합니다.
4. 주도성에 대하여
스케치 학습의 주도성은 행동으로 실천하는 적극적인 실천과 사고의 부지런한 탐구를 의미합니다. 이 둘이 하나로 합쳐진 것인데, 연습하지 않고 말하는 것만으로는 안 되고, 생각 없이 연습하는 것만으로는 안 됩니다. 우리는 흔히 어떤 사람이 학습에 매우 적극적이고 그의 작품이 매우 사려 깊다고 말하는데 이것이 바로 그런 의미입니다. 스케치 초보자라도 순전히 객관적으로 재현할 수는 없으므로 자신만의 주관적인 느낌과 합리적인 이해, 주관적인 처리를 추가해야 합니다. 스케치 학습을 통해 삶을 경험하고 예술을 이해합니다. 자신의 두뇌로 생각하고 자신의 눈으로 세상을 보십시오. 주도권은 지식과 능력을 습득하기 위한 다양한 방법을 의식적으로 추구하는 학습 상태입니다. 서점, 도서관, 인터넷, 미술관, 박물관과 같은 학습 자원을 소중히 여기고 활용하십시오. 교사에게 너무 의존하지 마십시오. 적극적으로 스스로 공부하고, 부지런히 두뇌를 사용하고, 세상을 바라보며, 다양한 정보에 대해 적극적으로 분류, 요약, 비판, 선택을 할 수 있습니다. 다양성 속에서 자신을 잃지 말고 앞으로 나아가면서 계속 학습하세요.
5. In place and open
'in place'의 내용에는 구성, 구조, 특성, 모양, 비율, 방향, 리듬, 강도 등이 포함됩니다. 기본 스킬, 우리가 흔히 듣는 '정확하다', '현실적이다'라는 의미와 정확히 같지 않은 능력. "제자리"는 주관적인 감정과 예술적 완성도를 더 의미하며 "진짜"조차도 예술적으로 사실일 뿐입니다.
"풀어짜기"는 일종의 인본주의적 특성이자 주관적인 방법이다. "풀어내기"의 내용에는 예술적 언어, 물리적 특성, 흑백, 일차적인 것과 이차적인 것, 가상과 실제, 강함과 약함, 단단함과 부드러움, 음영, 직진성, 앞면과 뒷면, 밀도 등은 더 높은 의미의 단순화이자 유도이며, 이는 작가 개인의 주관적 주도권의 정신적인 표현이다. 성공적인 스케치와 스타일의 천박함과 우아함을 나타내는 지표로, 높은 스타일과 낮은 스타일의 주요 차이점입니다.
'제자리'와 '개방'은 객관성과 주관성, 설명과 표현, 풍부함과 간결함의 관계와 동일하며, 서로 반대되는 방식으로 통합되며 과도한 '제자리'는 둔해 보입니다. 그리고 평범하며, 생명과 활력을 주입하려면 "풀어내기"가 필요합니다. 과도한 "풀어내기"는 화려하고 깨지고 단순해 보일 것이며 통합하려면 "제자리에" 있어야 합니다. 정도", 또는 "딱 맞다", 적절함 "너무 멀리" 나아가도 해가 되지 않습니다. 제백석의 '유사성과 상이성' 이론도 이런 의미를 갖고 있다.
6. '검은색, 흰색, 회색'의 중요성
'검은색, 흰색, 회색' 개념의 중요성에 대한 강조는 전적으로 다년간의 경험을 토대로, 왜냐하면 그것이 실제로 저와 많은 학생들에게 많은 혜택을 주었기 때문입니다. 특히 초보자의 경우 스케치 또는 모든 색상의 연구, 디자인 및 작성에 "검정색, 흰색 및 회색"요약 기술을 도입하면 절반의 노력으로 두 배의 결과를 얻는 효과가 있습니다. 구체적인 작업은 표현된 대상을 아무리 복잡하고 지저분하더라도 밝기 측면에서 그림의 세 가지 주요 부분인 검정, 흰색, 회색으로 요약하는 것입니다. 이는 주관적인 파악이며 효과적인 파악입니다. 거시적 전체. 모든 조각에는 다양한 수준(톤, 모양)이 포함되어 있지만 일반적으로 "검은색", "흰색" 또는 "회색"의 절대적인 규칙을 따라야 하며 "회색" 조각은 더 풍부한 수준을 갖습니다. , "검은 색" 블록의 레벨은 상대적으로 간단합니다. 세 블록 각각의 영역은 특정 영역에 따라 다르지만 필요합니다. 이런 식으로 그림의 "회색", "지저분함", "더러움"과 같은 초보자의 일반적인 문제를 쉽게 극복할 수 있으며, 이를 통해 작품의 그림 구조를 더욱 강력하고 계층화되고 질서있게 만들 수 있습니다.
'검은색, 흰색, 회색'은 그림의 전반적인 파악과 통제가 활발하다는 의미로 그 의미가 더 클 수 있다.
7. 선의 의미
수파이는 점(면)의 연속된 배열만을 인식합니다. 그러나 예술은 예술이고 인간 정신의 산물이다. 비록 그것이 과학적이라 할지라도 결코 과학의 '진리'와 동일시될 수는 없다. 선은 작가의 정신적 세계에 투영된 주관적이고 객관적인 세계의 산물이며, 일종의 일반화이자 '추상'이며 결코 사라지지 않을 것이다. 그러므로 스케치의 세계에서 예술가와 선은 뗄래야 뗄 수 없는 관계입니다. 만지는 순간 선이 되며 주관적, 객관적 필요에 따라 마음껏 사용할 수 있습니다. 선의 예술적 표현은 매우 강렬합니다. 우리는 수천 년 전 둔황 벽화의 날고 우아한 선과 영락궁 벽화의 장엄한 선에 깊은 인상을 받았습니다. 선은 사물의 윤곽, 면적, 구조, 특징, 회전(모양 또는 두 가지 색상 사이), 리듬 등을 표현할 뿐만 아니라 당시 작가의 주관적인 감정, 충동, 열정을 표현할 수도 있다. 매우 주관적인 세련미와 때로는 작품의 영혼은 선의 견고한 힘, 선의 유려한 흐름, 선의 움직임, 선의 멜로디에 있습니다. 선의 사용은 실제로 매우 특별합니다. 이는 "윤곽선"만큼 단순하지 않습니다. 선은 대상의 안팎을 표현하는 데 주의를 기울여야 합니다. 선은 어디에 사용해야 합니까? 어디에 사용하면 안되나요? Qi를 연결하는 방법과 밀도와 밀도를 비교하는 방법은 무엇입니까? 모두 지식이 풍부합니다. 단 하나의 엣지만으로도 형태, 특성, 공간, 가상과 현실, 강함과 약함의 의미를 반영할 수 있습니다. 선은 작가의 주관적인 산물이자 '정신적 표현'이기 때문에 톤(얼굴)보다 상위에 있어야 한다.
8. Tune은 서버입니다.
우리는 이해를 바로잡아야 합니다. Tone은 단지 물리적 구조의 서버일 뿐입니다.
즉, 내부 구조와 부침을 반영하기 위해 톤을 사용하더라도 물리적 구조의 중심을 중심으로 이루어져야 하며, 허상적이고 모호하거나 쓸모없는 톤을 사용하는 것에 반대합니다. 톤은 외부 윤곽의 주인인 선과 함께 사용하는 것이 가장 좋습니다. 선이 건물의 기초 프레임이라면 톤은 내부 및 외부 장식입니다. , 그리고 두 개는 서로를 보완하고 보완하며 촉진합니다. 과거에 유행했던 소련식 스케치는 톤을 최고 수준으로 끌어 올렸는데 하이라이트가 하나뿐인 것은 모두 톤으로 칠할 필요가 없었고, 실제로 존재하지 않는 일부 선은 톤으로 칠해야 했습니다. 보이지 않는 표면. 이런 종류의 그림은 당시 중국을 우울하고 약하고 무력하게 만들었습니다. 예술에서 과학적 진실을 과도하게 추구하면 개인이 가져야 할 고유한 이점을 많이 잃게 됩니다.
그러나 톤에는 또 다른 효과도 있습니다. 배경 분위기를 연출하고 사진의 리듬을 조정하며 사진을 통합적이고 아름답게 만들 수 있습니다.
9. '특징'의 의미를 강조하세요.
스케치를 처음 배울 때 '특징'이라는 개념을 도입하는 것은 지름길을 택하는 것처럼 느껴질 것입니다. "특성"에는 표현된 대상뿐만 아니라 작가가 표현한 예술적 언어와 스타일도 포함됩니다. 우선 신체적 구조와 특성의 결합으로 '누군가는 어떻게 생겼을까? 삼각형 눈", "마늘 코", "체리 입" 등; "외부 특징" 및 "내부 특징"으로 설명할 수도 있습니다. "외부 특징"은 종이 자르기 예술의 특정 기술에서 배울 수 있습니다. 그림자, 여백, 머리카락, 옷깃, 옷의 무늬 등. 간단히 말해서, 묘사할 가치가 있다고 생각되는 사물의 특징적인 아름다움과 디테일을 의도적으로 탐색할 수 있는 특징적인 아름다움을 파악하는 것은 인위적이고 주관적으로 특정 사물을 강조하는 것입니다. 다른 특성, 또는 특정 그림의 눈에 보이는 형태에 중점을 두는 것, "더 나은 것이 더 나은 것"입니다. 이러한 "심각한" 처리는 그림을 멀리서 볼 때 비전을 갖게 하고 볼 때 "모양"을 갖게 합니다. 가까이서 보면 큰 전체와 작은 부분이 모두 달라서 매력적이고 충실해 보입니다. '특성'이라는 개념은 스케치 퍼포먼스 전반에 걸쳐 구현되어야 합니다.
10. '수정'에 주의하세요
여기서 '수정'은 일반적인 의미의 조정과 유사합니다. 차이점은 조정이 대부분 루틴과 단계를 기반으로 한다는 것입니다. 단계적으로 "수정"은 적극적인 수행의 용기와 솔직함을 기반으로 하며 감히 그림을 그리고 실수를 하기 때문에 "수정"이 필요하며 모든 "수정"은 사고와 진행의 과정입니다. , 때로는 과감한 "개정"이 실제로 일종의 승화 또는 일종의 부활입니다. 그러므로 더러워지는 것을 두려워하지 말고, 지나치게 조심하지 말고, 뭔가를 할 만큼 용기를 가지십시오. 개선의 흔적을 남기는 것에 대해 걱정하지 마십시오. 이러한 흔적이 발전의 발자취가 되어야 합니다.
'Revision'은 실제적인 학습 태도이자 자신감 있고 진취적인 학습과 탐구입니다. 초보자는 종종 실수를 하고 다시 시작합니다. 그들은 항상 즉각적인 결과, 빠른 성공, 대박을 원하지만 이것이 성급함의 신호라는 것을 모릅니다.
위의 말은 여러 번 시도되고 사실이지만 한 사람의 말일 뿐이며 필연적으로 일방적이고 부정확하지만 내 말이라고 볼 수 있습니다. 스케치 교육에 대한 논의는 결코 끝나지 않을 것이기 때문에 다양성이 공존할 수 있는 오늘날에도 여전히 자리를 잡아야 한다고 믿습니다.